KÜNSTLER:INNEN 2024 // ARTISTS 2024
MARLET HECKHOFF
LEIPZIG/DEUTSCHLAND
Mehrdimensionale Malerei
Website: www.marlet-heckhoff.de
Instagram: @marlet_heckhoff
Von urbanen Strukturen inspiriert und diese in Malerei reflektiert.
Marlet Heckhoff nutzt sowohl traditionelle als auch digitale Einflüsse, um komplexe Geometrien und Strukturen abzubilden. Durch Abstraktion und das Spiel mit Linien und Formen schafft sie dynamische Kompositionen, die die harmonische und chaotische Natur städtischer Umgebungen widerspiegeln. Zudem experimentiert sie mit einem zeitgenössischen Mosaikansatz, um ihre Formensprache auf eine neue Art von Pixelgrafik herunterzubrechen. Linien, Flächen, Bögen und die Beziehung verschiedener grafischer Formen mit- und untereinander bilden meist den Ausgangspunkt für ein neues Bild und erzeugen so ein Gefühl von Bewegung, Rhythmus und Spannung.
Inspired by urban structures, reflecting them in paintings: Marlet Heckhoff uses both tradi-tional and digital influences to depict complex geometries and structures. Through abstrac-tion and the play of lines and shapes, she creates dynamic compositions that reflect the har-monious and chaotic nature of urban environments. She also experiments with a contempo-rary mosaic approach to break down her formal language into a new kind of pixel graphic. Lines, surfaces, arcs and the relationship of different graphic forms usually form the starting point for a new image, creating a sense of movement, rhythm and tension.
SARA BLACK
KARLSRUHE / DEUTSCHLAND
„Lose Yourself“
Malerei / Mixed Media
Instagram: @sara_blaq
Sarah Owusu-Ansah (Sara Black) ist eine junge Künstlerin aus Ghana, wohnhaft in Karlsruhe. In ihrer Familie spielte Perfektionismus eine große Rolle, was sie dazu inspirierte, in ihrer Kunst mit dem Bruch von Perfektion zu spielen. Die Ausstellung "Lose Yourself" erkundet die komplizierte Beziehung zwischen Schönheit und Störung und erforscht, welche Verbindungen entstehen, wenn das Konventionelle in Frage gestellt wird. Mithilfe von Fotografie, Bildtransfer und Zeichnung werden Porträts gezeigt, die spontane Momente darstellen. Diese spontanen Momente beleuchten die Schönheit im Moment des Ungeordneten, indem das Wesentliche des Augenblicks einfangen wird.
Sarah Owusu-Ansah (Sara Black) is a young artist from Ghana who lives in Karlsruhe. Perfectionism played a big role in her family, which inspired her to play with the distortion of perfection in her art. The exhibition "Lose Yourself" explores the complicated relationship between beauty and distortion and explores the connections that arise when the conventional is challenged. Using photography, image transfer and drawing, portraits are shown that depict spontaneous moments. These spontaneous moments illuminate the beauty in the moment of disorder by capturing the essence of the moment.
NOLAN CHICHI KALWANDU
JOHANNESBURG / SÜDAFRIKA
Malerei / Digitalprint
Website: www.outsidethewoods.com
Instagram: @outsidethewoods
Nolan Chichi Kalwandu’s Schaffen konzentriert sich auf unsere Unvollkommenheiten und Lasten, die wir als Menschen tragen, insbesondere in Hinblick auf das Streben nach Perfektion in der heutigen digitalen Welt. Einflüsse aus seiner Kindheit in Johannesburg, in den frühen 2000er Jahren, prägen seine Kunstwerke und spiegeln sich in dem kindlichen Look wider. Dies ist seine Art, an seinem inneren Kind festzuhalten, mit all dem Schmerz und der Freude, die damit einhergehen. Das kindliche Thema ist eine nuancierte Methode, um die Bedeutung des Lernens durch Lebenserfahrungen zu kommunizieren, genauso wie ein Kind es tut.
Nolan Chichi Kalwandu's work focuses on the imperfections and burdens we carry as humans, especially regarding the pursuit of perfection in today's digital world. Some influences he had growing up in Johannesburg in the early 2000s play a part his artwork, giving it this childlike look to it. That is his way of trying to hold on to his inner child; with all the pain and joy that come with it. The childlike theme is a nuanced way he communicates the importance learning as we go through experiences in life, just as a child does.
PIA HINZ
VIVIERS / FRANKREICH
„Color Factory“
Installation
Website: www.piahinz.com
Instagram: @piahinzpiahinz
Pia Hinz verwandelt Räume in intensive Farberlebnisse. Ihre Interaktion mit dem Raum ist eine Erforschung seiner Oberflächen und somit jedes Mal eine ortsspezifische Reaktion auf die jeweilige Umgebung. Die Künstlerin arbeitet mit Buntglas und Farbfolien. Durch das Zusammenfügen von Farben und Formen und dem Zusammenspiel mit Licht, wird das Raumverhalten beeinflusst und gibt ihm so eine völlig neue Perspektive.
Pia Hinz transforms spaces into colour experiences. Her interaction with space is a research of surface behaviour. Often space-specific, the artist’s work is meant to be understood as a reaction to its surroundings, architecture and specific situation. Pia works with stained-glass pieces and colored adhesives. Through an assembling of glasspieces and color she shapes interactions and behaviour of the exhibition space, giving it a new perspective.
MATTHIAS UND TIMM KOPKA
DORUM-NEUFELD/DEUTSCHLAND
Triebgut
Malerei und Bildhauerei
Instagram: @arte_povera_matthias_kopka
Als Kollektiv haben Vater und Sohn noch nie zusammen in der Öffentlichkeit fungiert. Das soll sich nun ändern.
Der Trieb aus Dingen, die als Abfall, Müll oder Schrott bezeichnet werden, etwas Neues zu schaffen, ist die Motivation und darum auch Namensgeber ihres Projektes „Triebgut“ des Vater-Sohn-Gespanns von der Nordsee. So ist es nicht verwunderlich, dass genau diese mit einbezogen wird. Treibgut, das von Stürmen und Fluten an Land getragen wird, sind die Basis ihrer 360° Objekte.
Father and son have never appeared together in public as a collective. That is now to change. The drive to create something new from things that are labelled as waste, rubbish or scrap is their motivation and therefore also the namesake of their project ‘Triebgut’. The father-son team comes from the nearby North Sea. So it is not surprising that it is included in their art. Flotsam carried ashore by storms and tides is the basis of their 360° objects.
ELLINOR EULER
BERLIN/DEUTSCHLAND
Drahtobjekte
Installationen
Website: www.ellinoreuler.de
Instagram: @ellinoreuler
Ein Spiel zwischen Form, Farbe und Raum zu erzeugen, ist das Ziel der halbtransparenten kugelförmigen Objekte von Ellinor Euler. Mit ihren Werken öffnet Ellinor Euler einen Zwischenraum zwischen Betrachter und Werk, zwischen Werk und Raum, der sich durch die Veränderung des jeweiligen Standpunktes zu einem Spiel zwischen Raum, Objekt und Betrachter entwickelt. Dabei lässt sich alles auf den Ursprung und die Variation einer Linie zurückführen. Geometrische Grundformen wie Kreis, Quadrat, Dreieck werden von ihr im Raum als Kugeln , Zylinder, Quader und Linien übersetzt.
The aim of Ellinor Euler's semi-transparent spherical objects is to create a play between form, color and space. With her works, Ellinor Euler opens a space between the viewer and the work, between the work and space. This develops into a play between space, object and viewer through the change of the respective viewpoint. Everything can be traced back to the origin and the variation of a line. She translates basic geometric shapes such as circles, squares and triangles into space as spheres, cylinders, cuboids and lines.
SiT atLiberty
RAUM FRANKFURT/DEUTSCHLAND
„Alles ist Voll“
Streetartmalerei
Website: www.atlibertyart.com
Instagram: @atlibertyart @sit_sticker
SiT atLiberty sind Erik Krieger aka SiT und Jannis Winckler aka atLiberty. Über ihre Kunst, die Streetart und Malerei verbindet, sagen sie selbst, es sei ein bisschen wie Free Jazz; gegenseitige Impulse geben, aufeinander reagieren und sich gegenseitig ergänzen. Durch unterschiedliche Maltechniken, Motive, Tags und Paste-Ups entstehen sich überlagernde, wilde Schichten, die aussehen, als hätten sich über Jahre eine Vielzahl von Künstlern an einer Wand vergangen. So entstehen einzigartige Bildwelten - mal auf Wänden oder Leinwänden, oder aber sie gestalten gleich einen kompletten Raum, bei dem der Besucher das Gefühl bekommt, er sei Teil eines Wimmelbildes.
SiT atLiberty are Erik Krieger aka SiT and Jannis Winckler aka atLiberty. They combine street art and painting, and they say of their art that it is a bit like free jazz: giving each other impulses, reacting to each other and complementing each other. Different painting techniques, motifs, tags and paste-ups create wild layers that look as if a large number of artists have been working on a wall over the years. This creates unique visual worlds - sometimes on walls or canvases, or they design an entire room.
ESIN ÖZGE KINIK
WEIMAR / DEUTSCHLAND, ISTANBUL / TÜRKEI
„Sky over Istanbul“
Fotografie
Website: https://linktr.ee/esinozgekinik
Instagram: @esinozgekinik
Esin Özge Kınık entschied sich nach mehrjähriger Tätigkeit als Architektin dazu, sich komplett der Fotografie zu widmen und ihre Fähigkeiten im Studium der Fotografie und Video in Istanbul zu vertiefen. Momentan ist sie für zwei Auslandssemester an der Bauhaus Universität in Weimar zugegen. „Sky over Istanbul“ zeigt mittels experimenteller Fotografie ausdrucksstarke Motive, die mal düster und geheimnisvoll anmuten, als auch verträumt und wieder lebendig. Als Esin anfing, Fotos in ihrer Heimatstadt Istanbul zu machen, begann für sie eine Reise in zuvor verborgene Blickwinkel und ließ sie all die Geräusche hören, die sie nie zuvor gehört hatte und Farben sehen, die sie nie gesehen hatte.
After working as an architect for several years, Esin Özge Kınık decided to devote herself entirely to photography and deepen her skills by studying photography and video in Istanbul. She is currently spending two semesters abroad at the Bauhaus University in Weimar. "Sky over Istanbul" uses experimental photography to show expressive motifs that are at times dark and mysterious, as well as dreamy and lively. When Esin began taking photos in her home city of Istanbul, she embarked on a journey into previously hidden perspectives, allowing her to hear sounds she had never heard before and see colours she had never seen.
substruktur
DÜSSELDORF/DEUTSCHLAND
Rauminstallation
Website: www.substruktur.de
Instagram: @substruktur
Das Künstlerduo substruktur erfasst die grundlegende Struktur von Räumen unter Berücksichtigung architektonischer und historischer Aspekte. Ihr Fokus liegt dabei auf der Filterung dieser Informationen nach ihrer gegenwartsbezogenen Relevanz. Durch diese Analyse entwickeln sie Rauminstallationen, die ambivalente Objekte und bildhafte Strukturen integrieren. Auch für das artspace bremerhaven werden sie dies für ihre Installation nutzen, um einen Raum zu schaffen, der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft überlagert und die Besucher dazu einlädt, die Komplexität des Raumes zu erforschen.
The artist duo substruktur captures the fundamental structure of spaces, taking architectural and historical aspects into account. Their focus is on filtering this information according to its relevance to the present. Through this analysis, they develop spatial installations that integrate ambivalent objects and pictorial structures. They will also use this for their installation at artspace bremerhaven to create a space that overlays past, present and future and invites visitors to explore the complexity of the space.
ARTHUR DETTERER
DETMOLD/DEUTSCHLAND
„Gekleidete Bäume“
Installation
Website: www.detterer.com
Instagram: @art_detterer
Mit seiner Installation „Gekleidete Bäume“ möchte Arthur Detterer die Besucher:innen einladen, die bekannten Straßenbäume in neuem Licht zu betrachten. Kleidung als Zeichen von Kultur, sozialer Zugehörigkeit und Ausdruck eigener Persönlichkeit soll den Bäumen Individualität verleihen und ihre Rolle als Lebewesen hervorheben. Mit seinen Baumkleidern rückt Detterer die Beziehung zwischen Mensch und Baum in den Mittelpunkt und möchte so die Wahrnehmung der Besucher auf die Schönheit und Bedeutung dieser majestätischen Lebewesen lenken.
With his installation “Gekleidete Bäume” (‘Dressed Trees’), Arthur Detterer wants to invite visitors to look at the familiar street trees from a new perspective. Clothing as a sign of culture, social affiliation and an expression of personality is intended to lend the trees individuality and emphasize their role as living beings. With his tree dresses, Arthur Detterer places the relationship between human and tree at the centre of attention and thus aims to draw visitors' attention to the beauty and significance of these majestic creatures.
KATRIN LAZARUK
OSNABRÜCK/DEUTSCHLAND
„Ein Raum für weibliche Künstlerinnen“
Installation
Website: www.madeinosnabrueck.de
Instagram: @katrinlazaruk
Kunst aus der Kassette – das ist wohl die einfachste Erklärung für die Bildinstallationen von Katrin Lazaruk. Durch die eigens entwickelte Technik verbindet sie spielerisch Farbe und Kassettenband, so dass die schwarzen Flächen oft erst auf den zweiten Blick als dieses erkannt werden und schafft so ihre ganz eigene Kunst. Das Thema Weiblichkeit als gesellschaftliche Zuordnung zieht sich wie ein roter Faden durch ihre Kunst und so ist es nich verwunderlich, dass Katrin Lazaruk mit ihrem neuen Projekt einen Raum schaffen, der ausschließlich weiblichen Künstlerinnen gewidmet ist, um das Bewusstsein für die oft übersehenen Beiträge von Frauen in der Kunstwelt zu schärfen.
Art from the cassette - that is probably the simplest description for Katrin Lazaruk's picture installations. Using a technique she developed herself, she playfully combines color and cassette tape so that the black surfaces are often only recognized at second glance, thus creating her very own art. The theme of femininity runs like a red thread through her art. So it is not surprising that Katrin Lazaruk is creating a space dedicated exclusively to female artists with her new project in order to raise awareness of the often overlooked contributions of women in the art world.
GINE SELLE
FRAUENAU/DEUTSCHLAND
„Yin und Yang sind tot“
Malerei/Wandcollagen
Website: www.gineselle.de
Instagram: @gine_selle
Yin + Yang sind schwarz/weiß und harmonieren trotz ihrer Kontraste auf‘s Äußerste. In ihrem Projekt spielt Gine Selle mit den Kontrasten und der Symmetrie und stellt die Frage nach der Notwendigkeit von Harmonie zur Diskussion - in der Kunst, wie im alltäglichen Leben. Der Besucher:innen bewegt sich mitten in einer Art Riesencomic, die Inhalte entdeckt und bestimmt er selbst, und auch den Grad der Disharmonie oder Anregung.
Yin + Yang are black and white and harmonize particularly well despite their contrasts. In her project, Gine Selle plays with contrasts and symmetry and poses the question of the necessity of harmony for discussion - in art as in everyday life. Visitors move through a kind of giant comic, discovering and determining the content themselves, as well as the degree of disharmony or stimulation.
Theater Anderland
BREMEN/DEUTSCHLAND
„Unten“
Kommodentheater
Website: www.theater-anderland.de
Instagram: @theater_anderland
„Liebe R. Alle Vorbereitungen getroffen. Begebe mich auf den Weg nach unten. In Liebe A.“
Ein Brief, angelehnt an eine fremdartige Topfpflanze auf einer Wohnzimmerkommode. Wer ist R.? Wer ist A.? Aber vor allem: Was und wo ist „unten“?
Geschaffen von der Diplom-Figurenspielerin Lena Kießling und der Diplom-Kommunikationsdesignerin Johanna Seipelt ist „Unten“ ist ein Experiment in den Grenzbereichen von Illustration, Installation und Figurentheater; ein Kommodentheater. „Unten“ erzählt sich über 18 3-dimensionale Bilder, die durch Lupe, Linsen, Mikroskop und Türspion in der Wohnzimmerkommode zu entdecken sind. Ob die Geschichte schnell oder langsam „gelesen“ wird, und ob das Gesehene die Erzählung einer abenteuerlichen Expedition in einen Höhlenkomplex oder die einer inneren Reise zum Kern des Selbst wird, ist die eigene Entscheidung.
“Dear R. All preparations made. Making my way downstairs.
With love A.”
A letter leaning against a strange potted plant on a living room dresser. Who is R.? Who is A.? But above all: What and where is “downstairs”?
Created by the puppeteer Lena Kießling and the communication designer Johanna Seipelt, “Unten” (“Downstairs”) is an experiment in the border areas of illustration, installation and puppet theatre: A commodity theatre. ‘Unten’ is told through 18 three-dimensional images that can be discovered through a magnifying glass, lenses, microscope and peephole in the living room dresser. Whether the story is ‘read’ quickly or slowly, and whether what is seen becomes the narrative of an adventurous expedition into a cave complex or an inner journey to the self, is up to the audience to decide.
RICARDA HOOP
LEIPZIG/DEUTSCHLAND
„Portolan“
Wandzeichnungen
Website: www.ricardahoop.de
Instagram: @hoop_ricarda
Ricarda Hoop’s Zeichnungen erinnern an Wandteppiche und Bildtapeten – gezeichnete Landschaften im Raum. Nicht nur Aufriss und Grundriss des Raumes, sondern auch topografische Karten werden in ihren Arbeiten miteinander verbunden. Sie bewegt sich zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion, zwischen Landschaft und Muster - Zwischen „Sein und Nichtsein“.
Ricarda Hoop's drawings are reminiscent of tapestries and wallpapers - drawn landscapes in space. Not only the floor plan of the room, but also topographical maps are combined in her works. She moves between representational and abstract, between landscape and pattern - between "being and non-being".
PAULA CARRALERO BIERZYNSKA
BERLIN/DEUTSCHLAND
„Transparenz und Unsichtbarkeit“
Malerei
Website: www.carralero-bierzynska.com
Instagram: @carralero.bierzynska
Wie entsteht unser Wirklichkeitsbild? Welche Räume werden sichtbar gemacht? Welche bleiben verborgen und entziehen sich unserer Wahrnehmung? In ihren Hinterglas- und Hinteracrylglasgemälden beschäftigt sich Paula Carralero Bierzynska mit der Frage, wie sich die menschliche Wahrnehmung von maschineller Wahrnehmung unterscheidet. Wie beeinflussen Displays und Bildschirme unsere heutige Wahrnehmung? Anstatt die Welt aus fixen Punkten zu betrachten, ist der Blickwinkel mit zwei menschlichen Augen fließend und besteht aus unterschiedlichen, manchmal widersprüchlichen Perspektiven.
How is our image of reality created? Which spaces are made visible? Which remain hidden and elude our perception? In her reverse glass and reverse acrylic glass paintings, Paula Carralero Bierzynska explores the question of how human perception differs from machine perception. How do displays and screens influence our perception today? Instead of looking at the world from fixed points, the perspective of two human eyes is fluid and consists of different, sometimes contradictory perspectives.
EIGENGRAU
BERLIN/DEUTSCHLAND
„Liminal“
Installation mit Tanzperformance
Website: www.eigengrauproductions.com
Instagram: @eigengrau_company
Eigengrau ist eine zeitgenössische Tanzkompanie, die im Oktober 2022 von der Choreografin Kira Metzler und dem bildenden Künstler Riccardo Bernardi gegründet wurde.
Inspiriert wurde das Projekt „LIMINAL“ von einem praktischen Prinzip der Farbtheorie und ihrer Wahrnehmung durch das menschliche Auge, das oft kommerziell für scheinbar chaotische Drucke mit mehreren übereinander liegenden Figuren in verschiedenen Farben verwendet wird. Im ständigen Wechsel von Formen und Farben, begleitet von Licht und Klang, entsteht eine Choreografie der Verschmelzung, Intensivierung und Abgrenzung der Installation. Das Ergebnis ist ein physischer Dialog mit dem Grenzraum - dem Zustand der Vergänglichkeit, dem Übergang zwischen dem, was war" und dem, was kommen wird", der Suche nach einer flüchtigen und vergänglichen Identität.
Gefördert durch Storm&Drang.
Eigengrau is a contemporary dance company founded in October 2022 by choreographer Kira Metzler and visual artist Riccardo Bernardi.
The project ‘LIMINAL’ was inspired by a practical principle of color theory and its perception by the human eye. Commercially it is often used for seemingly chaotic prints with several superimposed figures in different colors. The constant change of shapes and colors, accompanied by light and sound, creates a choreography of fusion, intensification and demarcation. The result is a physical dialogue with the border area - the state of transience, the transition between ‘what was’ and ‘what is to come’, the search for a fleeting and evanescent identity.
LISA RUBIN
BARCELONA / SPANIEN
„Lady C“
Installation
Website: lisarubin.art
Instagram: @lisalisabcn
Lisa Rubin ist eine spanisch-amerikanische Künstlerin, die in Barcelona lebt. Ihre künstlerische Praxis umfasst Mixed Media auf Leinwand, Bodeninstallationen und Interventionen in städtischen und ländlichen Umgebungen. Lisa arbeitet hauptsächlich mit recycelten Materialien und gefundenen Objekten und Bildern - sie gibt weggeworfenen Dingen eine Bedeutung zurück und verleiht ihnen eine Seele. Die Zyklen des Lebens, Tod und Wiedergeburt, Mythologie und die menschliche Psyche sind Themen, die in ihren vielschichtigen Kompositionen eine Rolle spielen. Auch „Lady C“ knüpft an diese Themen an, denn die Mixed-Media-Installation wurde auf Grundlage einer realen weiblichen Person, der Lady of Cavillion, die vor 24.000 Jahren lebte, geschaffen.
Lisa Rubin is a Spanish/American artist based in Barcelona. Her artistic practice includes mixed media works on canvas, floor installations, and interventions in urban and rural settings. Lisa works largely with recycled material and found objects and images - restoring meaning to discarded things - giving them back some soul. Cycles of life, death and rebirth, mythology, and the human psyche are all subjects that come into play in her intricate multilayered compositions. “Lady C" also ties in with these themes, as the mixed-media installation was created on the basis of a real female figure, the Lady of Cavillion, who lived 24,000 years ago.
RUPPE KOSELLECK UND SUSANNE VON BÜLOW
“GRUND UND BODEN IN BREMERHAVEN”
POTSDAM / DEUTSCHLAND
Performance
Website: www.tfiftytwo.de
Mittels Planierwalzen, Filzen, schweren Bütten, dem Dreck der Straßen und einer feinen Pigmentierung erstellen Ruppe und Susanne Drucke vor Ort, zu den ausgewiesenen Preisen der jeweiligen Lage.
Denn nicht die Künstler:innen – die Lage macht den Preis. Der Quadratmeter bei „Grund und Boden“ entspricht dabei exakt dem kommunalen Bodenrichtwertpreis, der vor Ort recherchiert wird. In einer Druckperformance mit Planierwalzen wird der Boden quadratmeterweise abgebildet.
Using leveling rollers, felt, heavy paper, dirt from the streets and fine pigmentation, Ruppe and Susanne create prints on site at the stated prices for the respective location.
Because it is not the artists - it is the location that sets the price. The square meter for "Land und Boden" (“Land and Ground”) corresponds exactly to the municipal land value, which is
researched on site. In a print performance with leveling rollers, the ground is depicted square meter by square meter.
JENS CARSTENSEN, JONAS HUMMEL & KAI ZELLER
BREMERHAVEN / DEUTSCHLAND
“Zu Hause in der Welt”
Akustische Rauminstallation
Instagram: @unerhoert.bremerhaven @werk.embassy
In Kooperation von WERK e.V. und Unerhört-Verein für Neue Musik e.V. entwickeln die drei Protagonisten Jens Carstensen, Jonas Hummel und Kai Zeller einen Klangraum. Was passiert, wenn die eigene gewohnte Klangwelt sich verändert und überlagert wird mit den Sounds von anderswo auf der Erdkugel? Wenn die eigenen Wände, Fenster, Türen und Böden anfangen zu schwingen, sie Klänge transportieren und die gewohnte Umgebung mit neuen Bildern bereichern?
In cooperation with WERK e.V. and the Unerhört Association for New Music e.V., the three protagonists Jens Carstensen, Jonas Hummel and Kai Zeller are developing a sound space. What happens when your familiar sound world changes and is overlaid with sounds from elsewhere on the globe? When your walls, windows, doors and floors start to vibrate, transporting sounds and enriching your familiar surroundings with new images?
VINCENT MÜHLENBECK & DJ SOURCE
HAMBURG / DEUTSCHLAND
“Triggert by urban sounds”
Malerei und Sound
Instagram: @m_uhle27
Vincent Mühlenbeck lässt sich von den Straßen der Großstadt inspirieren, indem er täglich mit dem Skateboard unterwegs ist und den urbanen Vibe, die Geräusche und Gerüche aufnimmt. Skizzenbuch und Stift sind immer dabei, um die Eindrücke festzuhalten. Zum Malen zieht er sich jedoch in sein ruhiges Atelier am Stadtrand zurück und arbeitet in der Stille der Nacht bis zum Morgengrauen.
Gemeinsam mit DJ Source werden seine Werke mit dem Ursprung verbunden: Urbanen Geräuschen. Aber auch Stille wird präsent sein. Wie fühlt sich dieser Kontrast an?
Vincent Mühlenbeck draws inspiration from the streets of the big city, cruising daily on his skateboard and absorbing the urban vibe, sounds and smells. He always has a sketchbook and pencil with him to record his impressions. To paint, however, he retreats to his quiet studio on the outskirts of the city and works in the stillness of the night until dawn.
Together with DJ Source, his works will be connected to their origins: Urban noise. But silence will also be present. How does this contrast feel?
JULIA BELIAEVA
KIEW / UKRAINE
Human Flags
Installation
Website: www.julia-beliaeva.com
Instagram: @Julia.beliaeva.art
Julia Beliaeva ist eine ukrainische Künstlerin, die sich einer breiten Palette von Medien widmet - von Virtual Reality und digitaler Kunst bis hin zu Skulpturen, oftmals verschwimmen die Grenzen jedoch.
Mit dem Krieg in der Ukraine, warf sich der Künstlerin die Frage nach dem Wert der Rechte des Einzelnen auf. Der Mensch selbst und seine Individualität sind der wichtigste Wert für den Staat, seine wertvollste Ressource. Inwieweit ist der moderne Mensch wirklich frei? Die Menschheit hat lange für ihre Freiheit gekämpft, bis heute, und dieser Kampf geht immer weiter. Um Krisen zu bewältigen, müssen Menschen ihre Macht über das Kapital zurückgewinnen und sich selbst ermächtigen und Flagge zeigen. „Human Flags“ steht für die Rechte des Einzelnen.
Julia Beliaeva is an Ukrainian artist who works in a wide range of media - from virtual reality and digital art to sculptures, although the boundaries are often blurred.
With starting of war in Ukraine the most valuable question for the artist was about the value of individual’s rights. The human itself and its individuality - is a main value for the state, its most precious resource. To what extent is a modern human free? Humanity has been fighting for its freedom for a long time, and still this fighting continues. To overcome crises, we must regain our power over capital, becomes flags for ourselves, putting a human and its natural birth rights in the first place.
JIAWEN WANG
BERLIN / DEUTSCHLAND
“What is Found in the Water is True”
Multimedia Performance
Website: www.wang-jiawen.com
Instagram: @j.iawenw.ang
Jiawen Wang ist Medienkünstlerin, audiovisuelle Gestalterin und Performerin aus Hainan, China. Sie lebt und arbeitet derzeit in Berlin, wo sie in ihrer künstlerischen Arbeit den Überschneidungen von Technologie, Zeit und chinesischer Kosmotechnik nachgeht. “What is Found in the Water is True“ verbindet Shanshui-Malerei (eine traditionelle chinesische Malerei von Landschaften) mit moderner Technologie und schafft so eine multisensorische Erfahrung. Durch das Zusammenspiel von Shanshui-Pinselstrichen, dynamischer Beleuchtung, Tai-Chi-inspirierter Performance, Stimme und einem unvorhersehbaren KI-Modell, entsteht ein faszinierender, immersiver audiovisueller Raum.
Jiawen Wang is a media artist, audiovisual designer and performer from Hainan, China. She currently lives and works in Berlin, where she explores the intersections of technology, time and Chinese cosmotechnics in her artistic work. "What is Found in the Water is True" combines Shanshui painting (a traditional Chinese painting of landscapes) with modern technology to create a multi-sensory experience. Through the interplay of Shanshui brushstrokes, dynamic lighting, Taichi-inspired performance, voice and an unpredictable AI model, she creates a fascinating, immersive audiovisual space.
R10a der Oberschule Schiffdorf
SCHIFFDORF / DEUTSCHLAND
“Unser Raum - unsere Welt: Gedanken, Wünsche und Lebensarten…”
Malerei
Drucke, Plastiken, Malerei - der Kunstunterricht der Oberschule ist definitiv vielfältig und verdient es, eine Bühne zu bekommen. Die Schüler:innen haben sich auf verschiedene Arten mit Gedanken, Wünschen oder Lebensarten auseinandergesetzt. So können die Besucher:innen diesen, einem selbst unbekannten Menschen, auf eine ganz besondere Art und Weise nahekommen und in andere Lebensperspektiven eintauchen.
Prints, sculptures, paintings - the secondary school's art lessons are definitely diverse and deserve a stage. The pupils have explored thoughts, desires and ways of life in various ways. In this
way, visitors can get close to these people, who are unknown to them, in a very special way and immerse themselves into other perspectives on life.
CECILIA BARTOLINO UND CARLOS ALLER
BERLIN / DEUTSCHLAND
“Saudade de Ti”
Performance / Zeitgenössischer Tanz
Instagram: @ceciliabartolino @carlos_aller_frantics
Cecilia und Carlos verbinden in "Saudade de Ti" zeitgenössischen Tanz mit Elementen aus Theater, Partnering, Kontaktimprovisation sowie Tanzstilen wie Breakdance und Hip Hop. Im Mittelpunkt steht das Gefühl der Saudade, einer bittersüßen Sehnsucht nach der Vergangenheit und dem Wunsch, vergangene Zeiten und Erlebnisse zurückzubringen. Die Performance taucht tief in dieses Gefühl der Nostalgie ein und findet damit einen Weg zur Heilung alter Wunden.
In "Saudade de Ti", Cecilia and Carlos combine contemporary dance with elements from theatre, partnering, contact improvisation and dance styles such as breakdance and hip hop. The feeling of saudade is a bittersweet longing for the past and the desire to bring back past times and experiences. The performance delves deep into this feeling of nostalgia and thus finds a way to heal old wounds.
JAKOB NICKELS
WEIMAR / DEUTSCHLAND
“Chapter”
Malerei auf Stoff
Instagram: @jakob.nickels
"Sprühfarbe auf einer Hauswand, aufwendig angebrachte Wandbilder - Graffiti bleibt häufig unverstanden. Aber was passiert, wenn eine völlig neue Fläche entsteht, an einem Ort, der dafür nicht vorgesehen war?
„Chapter“ unterscheidet sich in vielen Hinsichten von klassischem Graffiti und ist gleichzeitig davon durchdrungen. Es ist eine Brücke und gleichzeitig ein Hinweis für all jene, die nur zu gerne Schubladen öffnen und danach wieder verschließen."
Die Malerei ist ein zentrales Thema in Jakob Nickels künstlerischer Praxis. Sein Umgang mit Farben und Formen ist geprägt vom großflächigen Arbeiten und dem Malen im Außenraum.
Eine weitere Arbeit von ihm findet sich in der Schleusenstraße, wo er im Rahmen des "artspace bremerhaven" 2024 die Hauswand des ehemaligen Bauhofs bemalt und eine weitere großflächige Arbeit im öffentlichen Raum schafft.
"Spray paint on a house wall, elaborately applied murals - graffiti is often misunderstood. But what happens when a completely new surface is created in a place that was not intended for it?
“Chapter” differs from classic graffiti in many respects and is simultaneously imbued with it. It is a bridge and at the same time a clue for all those who are only too happy to open drawers and then close them again."
Painting is a central theme in Jakob Nickel’s artistic practice. His approach to colours and forms is characterized by large-scale work and painting in the outdoor space.
Another of his works can be found in the Schleusenstrasse, where, as part of the "artspace bremerhaven" 2024, he will paint the wall of the former Bauhof and create another large-scale work in public space.
SASHA IN GOLD
GEORGIA / TBILISI
„6 SECONDS“
Performance
Website: https://ingold.tilda.ws/
Instagram: @concon.eu
Inspiriert von einer Dusche im Studentenwohnheim in Bochum, bei der der Künstler alle 6 Sekunden erneut den Knopf drücken musste, um eine Portion Duschwasser zu bekommen, dreht sich in seiner Performance alles um 6 Sekunden. Wie wäre es, wenn wir für alles nur 6 Sekunden Zeit hätten? Alexander ist Tänzer, Performer und Schauspieler, ursprünglich aus Russland. Sein Weg begann mit dem Upsala Zirkus, ehe es ihn zur Schauspielschule nach St. Petersburg zog. Dort entdeckte er seine Leidenschaft für Tanz und Performance. Derzeit ist er mit verschiedenen Projekten vor allem in Georgien und Schweden unterwegs.
„6 SECONDS” is a satire study and was born out of an ordinary situation in the shower room of the German student city of Bochum, where the artist had to press the button again every 6 seconds to get a portion of shower water. What if we had only had 6 seconds for any action? Alexander is a dancer, performer and actor originally from Russia. His career began with the Upsala-Circus until he went to acting college in St. Petersburg. There he discovered his passion for dance and performance. He is currently travelling with various projects, mainly in Georgia and Sweden.
THOMAS HUGO
DORTMUND / DEUTSCHLAND
“PAPPERLASCHNACK”
Skulptur
Website: www.hugos-arbeiten.de
Pappe/Wellkarton ist allgegenwärtig bei uns – oder auf dem Weg – hin und weg, Online-Versand, Verpackung oder Umzugsermöglicher. Pappe ist wichtig und Abfall. Pappe ist Wertstoff – hat seinen Wert und doch keinen. Was denn jetzt?
Thomas Hugo erweckt eben diesen Wertstoff zum Leben und gibt ihm eine ganz neue Form.
Cardboard is omnipresent in our homes - or on the way - there and away, online shipping, packaging or removal helpers. Cardboard is important and waste. Cardboard is recyclable material - has its value and yet none. So, what is it now?
Thomas Hugo brings this recyclable material to life and gives it a whole new form.
HINRICH SCHMIETA
BIELEFELD / DEUTSCHLAND
Lichtzeichnungen
Website: www.schmieta.de
Hinrich Schmieta kommentiert und gestaltet den vorgefundenen Raum mit ortsspezifischen Licht-Zeichnungen. Die Lichtzeichnungen werden vor Ort für den Ort konzipiert, erstellt und mit einem speziell entwickelten LED-Plotter ausgegeben. Die Orte werden auf diese Weise virtuell möbliert, augmentiert, kommentiert, imaginiert.
Hinrich Schmieta comments and designs the existing space with site-specific light drawings. The light drawings are conceived and created on site for the location and realized using a specially developed LED plotter. In this way, the locations are virtually furnished, augmented, commented on and imagined.
SLAVA ROMANOV
BREMEN / DEUTSCHLAND
„Forgetting Machine“
Installation
Website: slavaromanov.art
Instagram: @davinel000
Slava Romanov ist ein russischer Multimedia Künstler, der für seinen Master in Digital Media nach Bremen kam, wo er derzeit lebt und arbeitet. „Forgetting Machine“ ist eine experimentelle künstlerische Erforschung der Mechanismen unseres Gedächtnisses. Denn Erinnerungen bleiben nicht immer gleich, sie verzerren sich manchmal mit der Zeit. Slava Romanov kombiniert traditionelle mit moderner Technologie: Dia-Slides und KI treffen zusammen. Die Dia-Slides, gefunden in einer „zu verschenken“ Box in Bremen zeigen anonyme Aufnahmen einer Familie der 1970er oder 80er Jahre. Mittels KI-Technologien werden diese Momentaufnahmen analysiert, interpretiert und darauf basierend eine Vielzahl an neuen visuellen Interpretationen erstellt. Diese Interpretationen zeigen eine Verzerrung, gespeist von fremden Informationen aus der KI, so wie auch unser menschliches Gedächtnis Erinnerungen der Realität subjektiv beeinflusst.
Slava Romanov is a Russian multimedia artist who came to Bremen for his Master's degree in Digital Media, where he currently lives and works. "Forgetting Machine" is an experimental artistic exploration of the mechanisms of our memory. Because memories do not always stay the same, they sometimes become distorted over time. Slava Romanov combines traditional with modern technology: Dia-slides and AI come together. The dia-slides, found in a "to give away" box in Bremen, show anonymous photos of a family from the 1970s or 80s. Using AI technologies, these snapshots are analysed, interpreted and a variety of new visual interpretations are created based on them. These interpretations show a distortion, fed by external information from the AI, just as our human memory subjectively influences memories of reality.
KYLE EGRET
STADE / DEUTSCHLAND
“Where is the Line?”
Performance
Website: www.kyleegret.de
Instagram: @kyle.egret
Kyle Egret verwandelt die Straße in ein lebendiges Kunstwerk. Durch Kreidezeichnungen erforscht er die Interaktion zwischen Kunst, Umgebung und Gemeinschaft, wobei Linien und Kreise die Dynamik des städtischen Lebens und die Schallwellen der Stadt visualisieren. Der Künstler nutzt traditionelle weiße Straßenkreide und Sprühkreide, um die Vergänglichkeit und Dynamik der urbanen Umgebung einzufangen und ein organisch wachsendes Kunstwerk zu schaffen, das sich im Laufe des Festivals entwickelt.
Kyle Egret transforms the street into a living artwork. Through chalk drawings, he explores the interaction between art, environment and community, using lines and circles to visualize the dynamics of urban life and the sound waves of the city. The artist uses traditional white street chalk and spray chalk to capture the transience and dynamic of the urban environment, creating an organically growing artwork that evolves over the course of the festival.
JIHYE KIM
BERLIN / DEUTSCHLAND
“Strom_People come from all directions and go in all directions”
Installation
Website: www.jihye-kim.de
Instagram: @jihye_kim_614
Jihye Kim lässt sich von der Dynamik städtischer Umgebungen inspirieren. In ihrem Projekt „Strom_People come from all directions and go in all directions“ abstrahiert und vereinfacht sie die Bewegungen von Menschen in der Stadt. Die Künstlerin fängt die Rhythmen des urbanen Lebens durch Animationen ein, basierend auf Filmmaterial von belebten Orten wie Einkaufszentren oder Bahnhöfen. Ihre bisherigen Arbeiten umfassen Zeichnungen, Installationen und Schatten, die das kontinuierliche Erscheinen und Verschwinden der Menschen darstellen.
Jihye Kim gets inspired by the dynamics of urban environments. In her project "Strom_People come from all directions and go in all directions" she abstracts and simplifies the movements of people in the city. The artist captures the rhythms of urban life through animations based on footage from busy places such as shopping centers or train stations. Her previous works include drawings, installations and shadows that depict the continuous appearance and disappearance of people.
JOHANNES LENZGEIGER
ZIRNDORF / DEUTSCHLAND
“Akzelerometrie”
Videoinstallation
Website: http://johannes.lenzgeiger.com
Instagram: @johanneslenzgeiger
Mit der Werkreihe „Akzelerometrie“ thematisiert Johannes Lenzgeiger Beschleunigung und technologischen Wandel. Sein neuestes Werk „accelerometric transfiguration“ kombiniert Turbinenästhetik mit religiöser Ornamentik, um die Grenzen zwischen Mensch und Maschine, Natur und Technologie zu hinterfragen. Die Videoprojektion auf einer runden Leinwand zeigt eine dystopische Zukunft und regt zum Nachdenken über die Konsequenzen technologischer Entwicklungen an.
Johannes Lenzgeiger addresses acceleration and technological change in his “Akzelerometrie” (“Accelerometry”) series of works. His latest work “accelerometric transfiguration” combines turbine aesthetics with religious ornamentation to question the boundaries between man and machine, nature and technology. The video projection on a round screen shows a dystopian future and encourages reflection on the consequences of technological developments.
NOÉ BORST
BERLIN / DEUTSCHLAND
„One Line“
(Live-)Malerei / Zeichnungen
Instagram: @nonobritz
Noé Borst fokussiert sich in seiner künstlerischen Praxis bereits seit zwei Jahren auf das Zeichnen in ununterbrochenen Linien. Groß-, kleinformatig, auf Wänden, Glas oder Papier. So entsteht ein spontanes Werk, denn was herauskommt, entsteht im Moment. Neben Ausstellungsstücken, können die Besucher:innen während der Veranstaltungstage live dabei zusehen, wie der Künstler Kunstwerke mit nur einer einzigen Linie erschafft.
For the past two years, Noé Borst has focussed his artistic practice on drawing in continuous and unbroken lines. He has explored this technique across various mediums
and methods, from paper and glass to live performances and video art. The result is a spontaneous drawing, because what emerges is created in the moment. In addition to exhibited pieces, visitors can watch the artist live as he creates artworks with just a one line.
Reiner Madena
Reiner Madena primarily sees himself as a sculptor who prefers to work with wood - a sustainable, renewable material that is both young and archaic in its origins. His aim is to restore the original roughness, sensuality, and tranquility of the wood through his work.
